Desde "Lust For Life" sonando sobre la icónica escena de apertura de Trainspotting hasta "esa canción del anuncio de Pepsi" que no puedes sacarte de la cabeza — la música encuentra su camino de forma natural hacia todo tipo de contenidos. Esta es la esencia del sync, o sync licensing, o simplemente la industria de las licencias. La industria suele jugar con sus términos, así que, antes de adentrarnos de verdad en la mecánica del sync, aclaremos las definiciones.
En teoría, todo uso de música con copyright, ya sea reproducción, distribución, ejecución pública o sync, tiene que ver con las licencias. Cada vez que escuchas música —salvo que hablemos de alguien tocando en la calle— probablemente hay un acuerdo de licencia detrás.
Los DSP necesitan negociar licencias musicales con sellos discográficos y editores para permitir el streaming. Las radios terrestres necesitan obtener una licencia global de las organizaciones de derechos de ejecución locales (ASCAP, BMI y SESAC en EE. UU., PPL y PRS for Music en el Reino Unido, etc.). Lo mismo ocurre con los canales de televisión, discotecas, restaurantes, tiendas, etcétera — cualquier negocio que use música en su beneficio necesita algún tipo de licencia.
Sin embargo, las licencias mencionadas no están dirigidas a una pieza musical concreta, sino a la música en general. Si eres una radio francesa, una licencia global de SACEM te permitirá emitir la música que quieras. El sync licensing es una historia completamente diferente.
¿Qué es una licencia de sincronización?
Una licencia de sincronización, comúnmente abreviada como "sync", se refiere en general a un acuerdo legal entre el titular del copyright de una obra musical y la parte que desea utilizarla, que permite la sincronización de música con copyright en cualquier otro tipo de contenido (principalmente visual, aunque ciertos usos de audio también requieren licencias de sync). El sync licensing puede subdividirse en dos partes, cada una alineada con una sección específica del copyright musical: la licencia de sincronización por el lado de la composición, y la licencia de uso del máster por el lado de la grabación sonora — pero, para mayor claridad, tratémoslas como una sola licencia (por ahora).
Así, por ejemplo, si una canción suena en la radio durante el "bloque musical" al mismo nivel que una docena de grabaciones diferentes, bastará con la licencia de emisión global. Sin embargo, si el equipo de producción de un programa de radio quiere usar una canción específica como sintonía de apertura, tendrá que obtener una licencia de sync. En ese caso, los titulares de derechos serán compensados dos veces: primero, a través de la tarifa de la licencia de sync, y después, a través de las regalías de ejecución pública.
Lo mismo ocurre a la inversa: no toda la música que aparece en televisión requiere licencia de sync. Por ejemplo, si una canción se ha reproducido durante un evento televisado o ha aparecido espontáneamente en el transcurso de un programa de televisión en directo, las emisoras solo pagarán por la ejecución pública de la canción (cubierta por la licencia global). Este tipo de "sync" se denomina Uso Efímero — un concepto nacido en los albores de la televisión en directo para garantizar que los productores no sean responsables del "uso inesperado de música". Sin embargo, si el canal de televisión decide retransmitir ese programa en directo, tendrá que obtener una licencia de sync, ya que la canción se convertirá en parte integral de un contenido pregrabado. La distinción clave entre uso con sync y sin sync no es el medio, sino el tipo e intención de uso.
Por tanto, para evitar confusiones, cuando decimos "licencia" en este artículo — nos referimos al sync licensing. Aclarado esto, entremos en la mecánica de la industria de las licencias. Así es como funciona el negocio del (sync) licensing:
El poder del sync
A principios de año, la IFPI informó que el sync generó 0,4 mil millones de dólares en 2018, algo más del 2% de los ingresos totales de la grabación. Sin embargo, la parte de la grabación es solo una fracción de la contribución total de las licencias. En primer lugar, los derechos de sync deben obtenerse tanto de los titulares del máster como de los propietarios de la composición (compositores/editores). Por ello, los ingresos directos por sync se reparten aproximadamente al 50/50 entre los flujos de edición y de grabación — esos 400 millones del lado del sello son solo la mitad del pastel total.
En segundo lugar, debido al efecto de la doble compensación que mencionamos brevemente antes, un placement de sync exitoso también generará regalías de ejecución pública para los titulares de derechos. Imagina que tu canción ha sido sincronizada con un anuncio que se emite 100 veces al día en un canal de televisión nacional — las regalías de ejecución se acumularán rápidamente. Por tanto, la contribución total de los acuerdos de sync a la industria musical será mucho mayor que las cifras de la IFPI.
Además, el dinero contante y sonante no siempre es el motivo principal del acuerdo de sync. Claro, los acuerdos de sync pueden llegar a $1.000.000 de una vez para artistas triple-A consolidados, pero en la mayoría de los casos, el efecto promocional del sync puede resultar mucho más impactante que cualquier ganancia monetaria inmediata. Son cientos las carreras que despegaron gracias a un solo sync.
Todos tenemos un par de canciones memorables que descubrimos en una sala de cine, pero si eso no es suficiente, aquí van algunas estadísticas rápidas para ilustrar el punto:
- 1234 de Feist escaló hasta el puesto 10 del Billboard Hot 100 tras el sync con el anuncio del iPod Nano de Apple
- Nightcall de Kavinsky, presentada en la película Drive, cuenta ahora con más de 180 millones de visualizaciones en YouTube
- Jenny of Oldstones de Florence + The Machine, una grabación original para la banda sonora de Game of Thrones, fue identificada más de 200.000 veces en Shazam en las 24 horas siguientes a la emisión del episodio, convirtiéndola en la canción más identificada en Shazam de toda la historia
En esencia, los acuerdos de sync pueden convertirse en una especie de publicidad para los artistas — especialmente para los menos conocidos. Los equipos de promoción destinan enormes recursos a aparecer en las playlists de Spotify para ser escuchados por 100.000 personas. El mismo artista puede conseguir un acuerdo de sync para un anuncio de una gran marca y acabar aprovechando una inversión en medios de diez millones de dólares. Su canción sonará cuatro veces por hora ante la audiencia de la televisión nacional en horario prime-time, y ganarán dinero en el proceso. Además, cualquier persona de esa audiencia podrá identificar la canción en Shazam con solo pulsar un botón. ¿Quién no quiere eso?
La estructura de la cadena del sync licensing
Por supuesto, no todos los syncs se convierten en una promoción fructífera para el artista — hace falta que los astros se alineen para que este canal funcione. La canción tiene que captar la atención del público y no pasar desapercibida en el fondo, y, lo más importante, el contenido sincronizado tiene que complementarse mutuamente. Eso es algo que interesa a ambas partes del acuerdo, y cuando el sync encaja, todos quedan satisfechos. Veamos, entonces, quién es responsable de hacerlo posible. Como suele ocurrir en el negocio musical, el objetivo de la industria es conectar a los artistas con los usuarios finales — y esa conexión puede construirse desde cualquiera de los dos lados.
1. Los usuarios de sync
Empecemos por la demanda. La lista de posibles usuarios de sync no es muy larga — en términos generales, la gran mayoría de los acuerdos de sync se encuadran en las siguientes cuatro categorías:
- Películas (y tráileres)
- Series de televisión
- Anuncios de televisión/radio
- Videojuegos
Podríamos ampliar esa lista añadiendo el cine independiente y los creadores de vídeo (es decir, YouTube); los espacios publicitarios digitales, etcétera. Sin embargo, aunque los creadores independientes y las pequeñas empresas a menudo necesitan música para acompañar sus imágenes, rara vez llevan a cabo un acuerdo de licencia completo. En cambio, la mayoría de los "usuarios a pequeña escala" optarán por soluciones de bancos de sonido como Soundstripe. Este segmento suele denominarse "micro-licensing" y, si bien puede ser una fuente de ingresos sostenible para algunos artistas, no nos detendremos demasiado en él — el trato es bastante sencillo.
En los acuerdos de sync "clásicos" 1:1, el proceso es mucho más complicado. Básicamente, cualquier equipo de producción tiene dos criterios principales en cuanto al sync — ya sea una escena de película de 7 minutos, una señal de 30 segundos en una serie de televisión o 15 segundos de música de fondo en un anuncio de televisión.
En primer lugar, la canción que mejor encaje con el contenido, amplificando el efecto general, el estado de ánimo y la acción del material final. En términos generales, el responsable creativo del contenido, ya sea el equipo creativo de la agencia de publicidad o el director de la película, definirá cómo debe sonar el sync deseado. Estos briefings iniciales pueden variar significativamente en cuanto a su estructura.
En algunos casos, el responsable de la decisión creativa utilizará música provisional de marcador de posición; por ejemplo, el director de una película puede elegir una canción de Taylor Swift y decir "consíganme algo que suene así". Sin embargo, conseguir una canción de Taylor Swift para una película, serie, videojuego o anuncio va a costar una fortuna. Ese es el segundo criterio del acuerdo de sync — la licencia debe obtenerse dentro del presupuesto y en el plazo previsto.
2. Los supervisores musicales
Aquí es donde entran en juego los supervisores musicales. Su objetivo es garantizar que se cumplan los dos criterios. Los supervisores musicales pueden formar parte de una productora o ser una agencia independiente, pero en cualquier caso trabajan estrechamente con el equipo creativo para convertir un briefing creativo no estructurado en consultas más precisas. Los supervisores suelen buscar música usando términos como género, estado de ánimo, época, energía, tempo, instrumentos utilizados, tipo de voz, etc. — razón por la cual cuidar los metadatos para completar esas etiquetas es el primer paso para desbloquear las oportunidades de sync "pasivas" del artista.
Los supervisores son los intermediarios entre los usuarios de sync y la industria musical. Si se requieren bandas sonoras originales, actúan como un sello discográfico para el proyecto de la banda sonora: contratan compositores, reservan sesiones de grabación, alquilan estudios y supervisan el proceso de grabación. En el caso del sync, los supervisores musicales son intermediarios entre la productora y los artistas (o sus representantes). En ese caso, los supervisores musicales son responsables de proveer al equipo de producción con música libre de derechos que (1) se ajuste al briefing creativo, (2) potencie la acción y el estado de ánimo de la escena y (3) se ajuste al presupuesto de sync.
Con bastante frecuencia, los supervisores musicales se ven atrapados entre el briefing y el presupuesto, con el director pidiendo que se obtenga la licencia de una canción de Radiohead — "es fundamental para la escena, simplemente tenemos que tenerla" — con un presupuesto de sync de 10.000 dólares (lo cual, por supuesto, es imposible). Esas restricciones presupuestarias del lado del supervisor musical son las que convierten al sync en una oportunidad de oro para los artistas independientes. Con Radiohead descartado, la siguiente mejor opción sería encontrar una canción menos conocida que aún sea capaz de capturar el estado de ánimo y la emoción de la escena.
Claro que algunas películas de gran presupuesto y videojuegos enfatizan enormemente la banda sonora, convirtiéndola en parte de su marca, y terminan con millones en el presupuesto de sync, como Suicide Squad o la serie de Fifa. Del mismo modo, hay anuncios que buscan potenciar la marca asociándose con artistas emergentes. Sin embargo, estos son excepciones — en la mayoría de los casos, el supervisor musical buscará artistas en ascenso para ahorrar dinero manteniendo el impacto emocional general.
En ese sentido, el sync se convierte en uno de los pocos canales de promoción de la industria musical que favorece a los artistas en desarrollo frente a los consolidados. Sin embargo, la contrapartida es que esa misma predisposición hacia todo lo independiente convierte al sync licensing en un panorama extremadamente competitivo. Los supervisores musicales prominentes reciben cientos (sino miles) de propuestas cada día, y para destacar entre tanto ruido, los artistas necesitan conexiones y, la mayor parte del tiempo, un representante profesional en el lado de las licencias.
3. Las empresas de licencias y los representantes de artistas
Aquí entran las empresas de licencias musicales. Como consecuencia de la duplicidad del copyright musical, el licensing se convierte en un panorama diverso desde el lado del artista. Como probablemente sepas, toda canción original tiene dos conjuntos distintos de derechos asociados: los derechos del máster de grabación (generalmente en manos del artista o el sello) y los derechos de composición (en manos del compositor/editor). Esto significa que, para usar la canción, los supervisores tienen que obtener dos conjuntos de derechos separados:
- Licencia de sincronización de un editor/compositor, que permite explotar la composición original y la letra
- Licencia de uso del máster de un sello discográfico/artista intérprete, que permite sincronizar la grabación sonora
Los supervisores musicales deben tratar con las industrias de la edición y de la grabación por separado — incluso si el artista intérprete y el compositor son la misma persona. Por ello, la mayoría de los sellos y editores consolidados tienen algún tipo de departamento de licencias que procesa las solicitudes entrantes y contacta proactivamente con los supervisores musicales.
La duplicidad de los derechos musicales también abre una vía para que los supervisores musicales alivien parte de los costes del sync utilizando versiones en lugar de las grabaciones originales. Ya que los anuncios de Apple parecen ser un tema recurrente en este artículo, aquí está el anuncio del Apple Watch con una versión de "Walk of Life" de Dire Straits a cargo de Bhi Bhiman.
Por supuesto, los detalles exactos del acuerdo nunca se revelan, pero nuestra suposición es que la canción fue grabada específicamente para el anuncio. De este modo, Apple (o, mejor dicho, la agencia detrás del anuncio) solo obtuvo la licencia de sincronización del editor de Dire Straits, reduciendo así los costes de la licencia de uso del máster. Por estas razones, las versiones — ya sean grabadas expresamente para la banda sonora o no — se han convertido en una práctica habitual en el sync.
Sin embargo, las empresas de licencias no se limitan a los departamentos de licencias de editores y sellos. En realidad, vienen en todo tipo de formas — desde empresas de pitching independientes como TAXI y Audiosocket, que prestan sus servicios a artistas independientes y a editores y sellos más pequeños, hasta prominentes agencias de sync como A&G Group y Hidden Track Music, que internalizan prácticamente toda la cadena de licencias para construir un camino directo de los artistas a los usuarios finales. Entre medias, hay todo tipo de agencias de supervisión musical que prestan servicios a las productoras, agencias de consultoría de sync para publicidad que trabajan del lado de las marcas — y mucho más. El panorama del sync es de lo más diverso, aunque en realidad solo hay unos pocos roles principales.
En términos generales, la especialización del representante de licencias se sustenta en dos pilares: la red de supervisores musicales de la empresa y el conocimiento del catálogo que representa. Dado el volumen de contenido producido hoy en día, casi cualquier artista (y casi cualquier canción) tiene una oportunidad de sync en algún lugar. Se trata de hacer coincidir la canción adecuada con la oportunidad adecuada.
Contratos de representación de licencias
En cuanto a los aspectos contractuales, existen varias opciones disponibles para el artista.
Si su sello/editor cuenta con un departamento de licencias interno, los servicios de representación de sync suelen incluirse en el paquete inicial de grabación/edición. Si el sello no tiene un equipo de licencias dedicado, normalmente subcontratará a una agencia de licencias independiente. En ese caso, el sello compartirá su parte de la tarifa de la licencia de sync — la participación del artista permanece intacta.
Los artistas independientes (o aquellos que poseen el 100% del copyright de su máster) suelen saltarse al sello por completo y trabajan directamente con representantes de licencias o agencias.
En cuanto a la compensación económica, los representantes de licencias tradicionalmente reciben una participación en los posibles ingresos por sync. Esa comisión del agente varía según el alcance del artista y las posibles oportunidades de sync, oscilando entre el 20% y el 65% del valor futuro del sync.
El otro punto a considerar al firmar el contrato de representación de licencias es la exclusividad. La mayoría de los representantes de sync pedirán derechos exclusivos para representar la música del artista durante la duración del contrato. Estos acuerdos son un arma de doble filo. Por un lado, la exclusividad debería asegurar la posición del agente como único representante del catálogo del artista y motivarle a hacer pitching. Por otro lado, un representante exclusivo podría perder el interés en el artista — lo que significa que la música simplemente se quedará en un cajón durante la vigencia del contrato.
4. El artista
Desde el punto de vista del artista, el sync rara vez se considera el eje central de la carrera musical. La mayoría de las veces, las oportunidades de sync no guiarán las decisiones artísticas. Sin embargo, existe un porcentaje de artistas que convierten el sync en su principal fuente de ingresos, escribiendo canciones con miras a un posible acuerdo. Tomando su ejemplo, revisemos algunos de los factores que hacen a ciertos artistas más "sincronizables" que a otros.
En primer lugar, se trata de la música en sí misma. El panorama del sync es muy diverso y deja espacio para todo tipo de música — pero aun así hay ciertos tipos de canciones que recibirán más ofertas que otras de media.
Tomemos los anuncios publicitarios como ejemplo. Cierto, hay algo de margen para la experimentación en los syncs publicitarios y para los spots digitales creativos, especialmente en los anuncios digitales, no sujetos a los formatos de 30 segundos de la televisión. Sin embargo, el 95% de los syncs en publicidad son o bien enérgicos y animados, o bien tranquilos y emotivos — y, sobre todo, aceptados por el gran público. Huelga decir que si eres una banda de hardcore punk que escupe himnos anti-consumistas, tus opciones en el sync publicitario son bastante limitadas. Aunque, como siempre, hay excepciones a toda regla.
Lo mismo ocurre con los syncs en series de televisión y películas. Al fin y al cabo, la canción tiene que encajar en la narrativa de la película, que tiende a seguir una estructura particular, ya sea el Viaje del Héroe u algo más elaborado. Aun así, los guiones cinematográficos tienen temas comunes, y la música se usa a menudo para potenciar las emociones de las escenas que encajan en esa estructura.
Por eso, el tipo de composición abierta a la interpretación del "inicio de un viaje" puede acabar siendo más demandado. Estudiar los fundamentos del guion cinematográfico es quizás el mejor punto de partida para los artistas que quieran centrarse en el sync para cine. El enfoque del artista a la hora de componer puede influir enormemente en su "sincronizabilidad" — es evidente que Peach Scone de Hobo Johnson (aunque siga siendo una gran canción) es prácticamente imposible de sincronizar.
Esos son los cuatro roles principales del sync licensing, pero, no nos engañemos, no todos los acuerdos siguen esa estructura. En esencia, el objetivo de la cadena de licencias es hacer coincidir la canción con el contenido. Un director de cine puede ponerse en contacto directamente con esa banda indie que considera perfecta para una escena. Del mismo modo, los artistas pueden seguir su espíritu DIY y contactar directamente con los supervisores musicales, saltándose al representante de licencias — muchos de los artistas centrados en el sync acaban haciendo su propio pitching. La industria musical no es en absoluto una estructura rígida, y un acuerdo de sync puede en ocasiones saltarse completamente toda la cadena de licencias.
Sin embargo, independientemente del camino que tome, la oferta de sync acabará encontrando su destino. Lo que viene a continuación es la negociación del acuerdo de licencia.
El acuerdo de sync licensing
Cuando se presenta la oferta de sync, hay dos factores principales que el lado del artista considerará: los ingresos totales (incluyendo la suma global de la licencia y las regalías de ejecución pública a largo plazo) y el potencial promocional general del sync.
El primero es bastante sencillo: dependiendo del alcance del artista y del uso de la canción (que veremos en detalle más adelante), los artistas y compositores recibirán compensaciones económicas. Al final, depende de los artistas y sus equipos poner precio a la licencia — lo que también significa que la tarifa dependerá en gran medida del efecto promocional del sync. De alguna manera, esas dos partes del acuerdo de licencia mantienen una relación inversa: cuanto mayor sea el poder promocional del sync, menores serán las tarifas de licencia — y viceversa.
Así, cuando un artista en desarrollo tiene la oportunidad de aparecer en la banda sonora de una película de éxito, es probable que la tarifa de la licencia baje. Por otro lado, si se trata de un artista consolidado que presta su música para un anuncio de una marca — especialmente si esa marca no encaja exactamente con los valores del artista — la tarifa se disparará.
En definitiva, todo el proceso de negociación puede resumirse en "cuanto más quiere el artista hacer el sync, menor es la tarifa". Suena sencillo, ¿verdad?
Sin embargo, hay otro aspecto a considerar: el alcance del uso. En términos legales, es una combinación de tres componentes:
- Duración de la licencia, es decir, la vigencia del acuerdo
- Territorio/Mercado de la licencia, que determina en qué mercados y territorios se aplicará la licencia
- Naturaleza del uso, que hace referencia a la forma en que se sincronizará la música
El alcance del uso es un reflejo de cuánto necesita el licenciatario la música. Por ello, cuanto mayor sea, más poder de negociación tendrá el artista. La duración y el territorio de la licencia son bastante explicativos, pero exploremos la "Naturaleza del uso" con más detalle.
La naturaleza del uso define los límites del posible sync, en términos generales como "fondo", "protagonista", "sintonía", "bajo los créditos", etc. De algún modo, la naturaleza del uso determina la importancia de la música para el contenido final. Tomemos el uso protagonista como ejemplo — que significa que la canción jugará un papel clave en determinar las emociones y el estado de ánimo de la escena. Evidentemente, ese tipo de sync será más valioso para la productora en comparación con la música de fondo o de créditos finales. Así que, una vez más, el poder de negociación del artista aumenta — y es probable que la tarifa de la licencia le acompañe.
Esa es la esencia de cómo funciona la industria de las licencias. Sin embargo, antes de concluir este artículo, repasemos algunas de las tendencias y fenómenos más destacados de ese espacio que dictarán el futuro del sync.
Oportunidades del sync en videojuegos
Hay un aspecto del panorama del sync que hemos dejado deliberadamente fuera del alcance de este artículo hasta ahora — las bandas sonoras de los videojuegos. Solo en EE. UU., las ventas directas de videojuegos generaron la impresionante cifra de $35.800 millones en 2018. Es decir, 1,8 veces el tamaño de toda la industria musical de EE. UU., incluyendo los segmentos live, de grabación y de edición. Al mismo tiempo, eso es solo una fracción: se espera que la industria global de los videojuegos supere los $150 mil millones en 2019. En comparación, la industria cinematográfica global vale solo $136 mil millones. La música es parte integral del 95% de los videojuegos — y los desarrolladores de juegos definitivamente tienen presupuesto para el sync.
Ahora, fíjate en esto:
Lista de artistas de la banda sonora de NBA 2K20
En cierto modo, este es el "cartel" del mayor festival de hip-hop del mundo — en el que XXXTENTATION aparece en letra pequeña. Es la banda sonora del próximo título de la serie de baloncesto NBA 2K y, a juzgar por las ventas del anterior, es probable que la escuchen unos 10 millones de personas. Hay más: tras publicar la lista de artistas de la banda sonora, el editor del juego, 2K Sports, anunció un concurso abierto en asociación con UnitedMasters, invitando a artistas a enviar su música con la posibilidad de aparecer en la banda sonora final.
Esto es lo que llamamos una oportunidad para despegar en la carrera. Si eres un artista de hip-hop prominente, quieres estar en esa banda sonora, y si eres un artista en ascenso — vaya, esa aparición va a cambiar tu vida. Dejando de lado el hecho de que compartirás un escenario digital con los grandes nombres del negocio, el efecto promocional de esa mención es difícil de exagerar.
¿Por qué los syncs en publicidad funcionan tan bien para la promoción musical? La repetición. El público va a escuchar el extracto de 30 segundos de una canción cinco veces al día, y eso es extremadamente poderoso. Pues bien, en ese sentido, las bandas sonoras de los videojuegos son aún más potentes. El jugador medio pasará más de 10 horas con la música del artista sonando de fondo, y no serán solo 30 segundos — será la canción completa. De alguna manera, las bandas sonoras de los videojuegos son como playlists dedicadas que a veces tienen audiencias tres veces mayores que las de New Music Friday.
Así lo expresa Steve Schnur, presidente de música en EA Games, el estudio detrás de la serie Fifa, en una entrevista:
"Sabíamos que los videojuegos podían convertirse en lo que la MTV y la radio comercial habían sido en los años 80 y 90. Cualquier canción de Fifa 19 — ya sea un nuevo tema de un artista consolidado o el debut de un artista desconocido — será escuchada en todo el mundo casi 1.000 millones de veces. Claramente, ningún medio en la historia de la música grabada puede ofrecer una exposición global tan masiva e instantánea."
Podrías pensar que esto es algo relativamente reciente, pero los videojuegos han influido enormemente en los gustos musicales durante décadas. Es cierto que ahora los videojuegos parecen estar en el zeitgeist del negocio musical, con todas las noticias sobre las colaboraciones de Fortnite — pero el fenómeno existe desde principios de los años 2000.
En 2001, GTA III fue el primer juego de la serie en introducir la radio en el juego, permitiendo a los jugadores elegir entre 9 emisoras seleccionadas, que abarcaban desde música clásica hasta trance y pop de listas de éxitos. Doce años más tarde, el equipo de licencias de Rockstar planeaba obtener los derechos de 900 canciones para GTA V — pero tuvo que conformarse con "solo" 240. Ahora, GTA V tiene 17 emisoras de radio, dos de las cuales han sido seleccionadas personalmente por Frank Ocean y Flying Lotus — y, con 90 millones de copias vendidas de GTA V, esas emisoras pueden competir con las principales emisoras reales.
La lista de ejemplos podría ser interminable. Tony Hawk's Pro Skater 2, lanzado en 2000, desempeñó un papel central en consolidar el sonido del skate-punk de Los Ángeles. La serie Guitar Hero introdujo a unos 25 millones de jugadores a cientos de artistas — todo mientras interactuaban activamente con la banda sonora. Los simuladores de carreras, desde el célebre Need For Speed hasta Gran Turismo, generaron miles de millones de horas de escucha.
La cuestión es que los videojuegos son una industria masiva y un enorme canal de descubrimiento que la industria musical ya no puede ignorar. Los medios musicales están ahora pendientes de la próxima gran colaboración en Fortnite, pero en realidad hay muchísimas más oportunidades por aprovechar en ese espacio. Ya sea un proyecto independiente apasionado o un blockbuster triple-A, la música es un componente crucial de casi todos los juegos — y estamos llegando al punto en que los profesionales de la música finalmente toman nota de esa oportunidad.
La IA en el sync musical
La segunda tendencia a explorar es el auge de la IA en la música y cómo va a impactar en la industria de las licencias. Las implicaciones de la música generada por IA son un tema recurrente en el blog de Soundcharts. Si quieres saber más al respecto, consulta nuestra entrevista con Stephen Phillips, CEO del laboratorio Mawson A.I., responsable de proyectos como Popgun, Replica y SUPPERRES.
Cuando se trata del sync, no se puede ignorar el potencial de la música generada por IA. En un futuro próximo, los algoritmos serán capaces de crear música desde cero, con poca orientación humana.
De hecho, esto es lo que Popgun ya puede hacer hoy:
Nos estamos acercando al punto de la historia de la música en que el público no podría distinguir si la música de fondo de un anuncio la escribió una persona real o un algoritmo. En cierto modo, es solo cuestión de tiempo que exista una plataforma que ofrezca canciones generadas por IA por 10 euros la unidad — y, bueno, si el público no puede notar la diferencia, ¿por qué deberían las agencias publicitarias pagar más?
Además de eso, los algoritmos generativos sobresaldrán en el procesamiento de palabras clave de género y estado de ánimo — así que en lugar de buscar una canción que se ajuste al briefing, podrás traducir tu brief creativo en un conjunto manejable de etiquetas y obtener una pieza original compuesta, producida, grabada y masterizada en cuestión de minutos. Este tipo de ahorro de tiempo y recursos será una oferta imposible de rechazar.
La IA no matará a la industria musical — al contrario, probablemente generará una nueva generación de artistas al poner nuevas herramientas en manos de personas creativas de todo el mundo. El arte y la industria musical no se reducen solo a cómo suena — importa también lo que significa y cómo hace sentir. Sin embargo, cuando se trata de música desvinculada de la personalidad del artista, la IA definitivamente tomará el control — y puede que no tarde tanto.
